Im Folgenden zwei Absätze, der eine vor acht Tagen hier erschienen, der andere gestern aus Tom Kummers Mund auf persoenlich.com publiziert.

Ich über Tom Kummer auf zweitens-magazin.de

Tom Kummer über Tom Kummer bei persoenlich.com:

Erstaunliche Lektion der Kummerschen Textmaschine. Wirklich erstaunlich.
Oder dann doch nicht.

Nach zehn Jahren, die bei den wenigsten Involvierten zu einer Beruhigung geführt haben, versucht der ebenfalls involvierte Miklos Gimes (damals stellvertretender Chefredaktor beim Tages-Anzeiger Magazin), eine Art Wahrheit herauszufinden über den “Borderline-Journalisten” Tom Kummer.

In mässigen Bildern, schlechtem Schnitt (split screens!) und mit ein paar albern-nervösen Effekten versucht Gimes sich zu zurückhaltend dem Menschen Kummer und darüber dessen Motivation zu nähern. Gelingt gar nicht, denn Kummer ist weiterhin vor allem gläubiger Erzähler seiner selbst und meist auf seiner erprobten Verteidigungslinie, letzteres vielleicht sogar eher aus juristischen als aus persönlichen Gründen.

Aber immer da, wo Gimes ihn machen lässt, wo Kummer einfach drauflosreden darf, wo er eigentlich schon wieder das nächste Interview plant, da wird es ganz gross. Die seiner Interviewkultur schon immer immanente Meta-Wahrheit bekommt da eine dermassene Berechtigung, sogar Notwendigkeit, dass man laut Danke sagen will für dieses Phänomen der Medienkultur. Wie weit er das System weitergedacht hat, leider mit viel zu wenig Folgen – ob das mal jemand wirklich darlegen kann, in zwanzig Jahren vielleicht? In grad mal zwei Dutzend Interviews die Träume und Mechanismen des medienprominenten Komplexes dermasssen befriedigt, ad absurdum getrieben und demaskiert… Diese Einsichten waren und sind nirgends sonst zu kriegen, nur bei Kummer, egal unter welchen Umständen sie entstanden sind

Wie begeistert und beseelt Kummer noch heute, zehn Jahre später, irgendwelche Fachbücher aus seinem Hausbesetzer-Regal kramt, einen Artikel zur visuellen Informationsverarbeitung im Gehirn gleich mit Scorsese diskutieren will (bzw natürlich gleich Scorsese in den Munde legen will, was für ihn irgendwie auf dasselbe herauskommt) – da wird klar, um wieviel mehr es in dieser Geschichte geht als um einen Schreiber, der Star-Interviews gefälscht hat. All die Empörung seiner Weggefährten von einst, die ihren Beruf bedroht sehen durch seine Machenschaften, sie geht am Punkt vorbei: dieser Mann machte keinen Journalismus, auch keinen New Journalism und keinen Borderline-Journalism, er arbeitete im und mit dem Journalismus, um etwas Umfassenderes zu diskutieren, vielleicht ohne es dabei selbst zu durchschauen. Als pures Feuilleton – ohne jede Verantwortung einer realen Rückbindung – hätten seine Texte ganz einfach nicht diese bezwingende Dringlichkeit bekommen, wären ohne Widerhall geblieben… und hätte ihm nicht das Genick gebrochen. Dass er seinen Betrug und sich selber halt immer noch so sehr rechtfertigen muss, mit dem System, dem Mitwissen, der stillen Komplizenschaft, das macht es ein bisschen langweilig. Vielleicht gab es da mal mehr Leute, die tatsächlich auf diese neue journalistische Form setzten, das wird deutlich in den zahlreichen Gesprächen mit irgendwie Beteiligten*.

Wie berührend aber die Aussschnitte aus Kummers privatem Videoarchiv sind, das er dem Regisseur komplett überlassen hat, lässt sich gar nicht hinschreiben, nur wegen diesen sollte man den Film schon anschauen. Ein nachdenkliches, eitles, zeitgeschichtliches Dokument, das viel mehr Raum verdient hätte, aber dann wäre es ein Film über einen Jungen aus einem Berner Arbeiterquartier geworden, der nichts aus seinem Tennistalent machte, der in den Achtzigern nach Berlin ging und sich wie so viele selbst (er)finden wollte. Eigentlich viel spannender als ein zehn Jahre alter Medienskandal.

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* Das SZ-Magazin brachte ja nur Tage, bevor der ganze Skandal im Mai 2000 schliesslich aufflog, seine Jubiläumsnummer mit den lustvoll gefälschten Bildern der eigenen 10-Jahres-Feier, auf der alle Prominenz dieses Planeten versammelt zu sein schien. Und liess “Gerhard Schröder” darin die versammelte Redaktion feierlich ermahnen, “auch weiterhin die journalistische Sorgfaltspflicht hochzuhalten”. Was haben wir gelacht. Nur drei Tage nach Erscheinen kam der Focus mit seiner Enthüllung, die wohl garnicht so eine Enthüllung war.

Mit Faszination zitiere ich da noch aus Ulf Poschardts Vorwort zur bei dtv erschienen Sammlung mit Kummers Interviews, drei Jahre bevor alles rauskam:
“Tom Kummers Texte haben also am Ende im besten Fall drei Autoren: Kummer, den Star und zum Schluss deren Synthese. Je dramatischer die Gespräche sind, um so verworrener äusssert sich diese Autorenvielfalt, um so mehr verschwimmen die Grenzen zwischen den Personen. Aber das passiert nur, wenn zwischen Kummer und dem Star die Chemie stimmt. Auch dafür sind beide zuständig. Dass sie so oft stimmt, könnte damit zusammenhängen, dass Kummer einen grossen Chemiekasten hat. Dass er viele Substanzen und Essenzen kenn, die anderen Journalisten fremd sind, und dass er eigentlich gar kein Journalist ist, sondern einer, der der vor allem gern denkt und mehr noch als an allem anderen an Menschen interessiert ist.”

Vor ein paar Tagen erst, beim Pressescreening von From Paris with Love mit John Travolta, habe ich mir erst wieder gedacht, wie öde diese hyperventilierenden, hektisch geschnittenen Action-Szenen sind, die man im Kino mittlerweile vorgesetzt bekommt. Keine vernünftigen Stunts mehr, keine Körperlichkeit, nichts passiert mehr wirklich. Bezeichnenderweise hat sich der amerikanische Star-Filmkritiker Roger Ebert bei seiner Besprechung dieses Films genau auf diesen Aspekt konzentriert. Diesmal ist es sogar mir kleinem Licht aufgefallen, aber diese Computerschlampereien nerven mich schon geraume Zeit. Erst einmal ist Film Bewegung, dann kommt der Schnitt. Einer der letzten Action-Filme, dem ich das Gezeigte auch geglaubt habe, war übrigens Tarantinos Death Proof. Es gab echte Car Chases mit echten Stunts, ohne Schnitte im Sekundentakt, die das Gesehene nicht mehr nachvollziehbar machen.

Einer meiner Lieblingsfilme ist Bullitt von Peter Yates mit eben Steve McQueen. Ich bin immer wieder begeistert von der berühmten Verfolgsungsjagd: dieses minutenlange Pirschen der beiden Autos durch San Franzisko, dieses Lauern, diese unterdrückte Kraft des Ford Mustangs. Man wartet auf eine Explosion und dann endlich, endlich heulen die Motoren und es geht los! Das ist so brilliant. Ich kann mir die Szene dutzende Male anschauen. Bullitt hat übrigens einen Oskar bekommen – für den besten Schnitt. Natürlich erwähnt Ebert diesen Film in seiner Kritik, als Beispiel aus besseren Zeiten. McQueen hat seine Stunts selbst gemacht.

Der folgende Ausschnitt ist nicht aus Bullitt, sondern aus einem Dokumentarfilm über die Leidenschaft für das Motorradfahren. Der Film heißt On Any Sunday, ist von 1971 und wurde gedreht von Bruce Brown, der dafür sogar eine Oskar-Nominierung bekam. Auch Steve McQueen kommt darin vor. Der Ausschnitt zeigt die letzten paar Minuten des Films, der wunderbar kitschig endet: Steve McQueen am Strand mit Kumpels bei Sonnenuntergang auf Motorrädern.

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Früher ist das Auto partout nicht angesprungen. Heute hat das Telefon keinesfalls Empfang, wenn es der Filmheld mal wirklich braucht. Rich Juzwiak hat diese obligatorische Szene aus 66 verschiedenen Horror- und Suspensefilmen der letzten Jahre zusammen gebaut. Gibt es eigentlich überhaupt einen neueren Horrorfilm, der spannend ist, obwohl das Mobil-Telefon wunderbar funktioniert? Der Drehbuchautor davon wäre auf jeden Fall ein Gott des raffinierten Filmplots.

Eine – zugegebenermaßen polemische – Stelle mag ich besonders gern. Der Autor schreibt da über Ten Little Indians von George Pollock, eine Agatha Christie-Verfilmung.

Ich verlange nicht, dass Ten Little Indians auf den Index kommt. Es stellt sich aber die Frage, was Bava falsch gemacht hat und Pollock richtig. Zunächst ist da natürlich die Gewalt. Hitchcock war irgendwann angewidert von Filmen, in denen es “Peng” macht und dann fällt die Leiche um. Deshalb zeigte er in Torn Curtain (Der zerrissene Vorhang) und in Frenzy, dass es viel schwieriger ist, einen Menschen umzubringen, als es uns im Kino meistens vorgegaukelt wird. Bava empfand das wohl so ähnlich. Pollock dagegen hielt sich an die Regeln. Bei ihm ist man weit weg, wenn eine Frau in einen Abgrund stürzt und zerschmettert wird, und er schneidet, bevor das Messer in den Körper eindringt. So ist das Töten, weil “nicht brutal”, erlaubt. Das führt zu kuriosen Sätzen wie dem in der Indizierungsentscheidung der BPjM (Blutrausch): “Die dargestellten Tötungs- und Verletzungshandlungen sind grausam und unmenschlich.” Mir gruselt vor Leuten, die solche Sätze schreiben. Ich dachte, wir hätten uns nach 1945 darauf geeinigt, dass das Töten von Menschen (Bava lässt das auch für die Tiere gelten) prinzipiell grausam ist. Deshalb haben wir die Todesstrafe abgeschafft, statt nach der “humansten” Hinrichtungsmethode zu suchen.

Teil 1: Wie ich einmal versuchte, einen indizierten Film zu kaufen

Teil 2: Einmal gefährdungsgeneigt, immer gefährdungsgeneigt

Teil 3: Amokläufer unter sich

Das Programm zu Clintessenz – Retrospektive Clint Eastwood gibt es beim Filmmuseum zum Downloaden.

Auf der anderen Seite gab es diese vielen ganz kleinen Momente. Natürlich Andre Bujalskis feiner „Beeswax“, wo Bujalski wie schon bei „Mutual Appreciation“ Freunde von ihm beim alltäglichen Konversationswahnsinn auf 16mm filmt. Diesmal als Gerichtsthriller ohne Thrill, wie er beim Q&A danach zugab. Wieder geht es um Beziehungen und Unbeziehungen und all die sprachlichen Vermittlungsversuche, mit viel Witz und Fingerspitzengefühl. Auch die Asiaten haben mich wieder schwer beeindruckt. Etwa das stimmungsvolle koreanischen Road-Movie “My dearest Enemy” von Lee Yoon-Ki, bei dem ein Ex-Pärchen durch Seoul kurvt, damit der Mann Geld für seine Ex-Freundin auftreiben kann. Den stärksten Film fand ich „Claustrophobia“ von Ivy Ho.

Eine Geschichte von einer Handvoll Menschen, die zusammen in einem engen Büro in Hongkong eingepfercht arbeiten, in einem engen Aufzug und einem engen Auto nach Hause fahren. Es geht um das alltägliche Leben in Hongkong also, erklärte die Regisseurin und nennt es auch ein Road-Movie. Wie beim koreanischen Film am Tag zuvor aber nur in einer Stadt. Der Film beginnt mit einer Autofahrt der Gruppe bei der sich zwei Personen anfangen zu streiten. Dann gibt’s einen plötzlichen Sprung in die Vergangenheit und wenig später weiter in die Vergangenheit… Der Film ist rückwärts erzählt, schafft aber das Außergewöhnliche, dass es einem wie eine normale Filmstruktur vorkommt. Langsam entwickelt sich eine Liebesgeschichte, die mit dem Anfang ihren Höhepunkt findet. Sehr stark. Das Drehbuch hat Frau Ho übrigens für Herrn To, genau: Johnny To, geschrieben. Nachdem er ein Jahr nix daraus gemacht hat, hat sie’s zurückgekauft und selbst verfilmt.

Diesmal hab’ ich nicht wie letztes Jahr mit “Tropa De Elite” den Gewinnerfilm (“La Teta Asustada”) gesehen. Obwohl ich es mit dem etwas zu naiven “Mammoth” von Lukas Moodysson und dem gradlinig berührenden “London River” von Rachid Bouchareb durchaus versucht habe. Bei letzterem hat immerhin Sotigui Kouyaté den Preis als bester Schauspieler gewonnen. Aber irgendwie gewinnen bei der Berlinale ja immer fast alle Filme irgendwas.